Torso #01, de Andreyko e Bendis

O que é?

Torso, minissérie em seis edições, pela Image, de 1998. Escrita por Marc Andreyko (Justiceira) e Brian M. Bendis (Ultimate Spider-Man)e desenhada por Bendis. Conta a história das investigações a respeito do Assassino do Torso, em Cleveland, chefiadas por Eliot Ness, conhecido por derrubar Al Capone.

Por que eu gosto deste quadrinho?

Torso é um dos trabalhos de Bendis produzido antes do escritor assumir a linha Ultimate da Marvel. Na minissérie estão presentes todos os elementos que o consagraram: o diálogo realista, as repetições de quadros, o silêncio que repercute e o experimentalismo. A história é permeada de artigos da época do crime, trazendo uma retratação próxima ao que aconteceu realmente. Além disso, Bendis se utiliza de fotos para retratar com maior fidelidade a Cleveland do final dos anos 30. Mas é no experimentalismo que está o mérito de Bendis. Ele se utiliza de efeito de zoom em retícula, para a abertura e fechamento dos capítulos, esse efeito passa a sensação de quanto Ness está se aproximando ou se distanciando do assassino. Outro efeito transmitido pela narrativa são as espirais, os quadros vão girando na página e é necessário que você vire a revista para acompanhá-los, mostrando o quão perdido Ness se encontra no momento.

Os "novos intocáveis", Myrlo e Simon.

Por que você deveria ler este quadrinho?

Primeiro por causa do experimentalismo, mas Torso é uma história de crime daquelas que te prende até o fim. Não por acaso, David Fincher manifestou o desejo de transformar essa história em filme. A principal discussão que Torso traz para seus leitores é a estigmatização das pessoas, seja a idéia de que Eliot Ness é um ser humano infalível, capaz de acionar seus Intocáveis e resolver todos os problemas, seja na ponderação sobre a sexualidade de Simon, um dos detetives, ou no próprio modus-operandi do assassino: troncos separados da cabeça, mãos e pés, dificultando sua identificação. O ponto alto da história, e que mostra o quanto Andreyko e Bendis são competentes como escritores, como aponta o próprio Greg Rucka em sua apresentação, é o interrogatório do suspeito, onde a intenção da minissérie é mostrada.

O que falam sobre este quadrinho?

“Esta é uma compilação enganosa;  parte misteriosa, parte exercício de estilo, parte lição de história e civismo, parte tragédia grega. A escrita é puro artesanato, está habilmente estratificada e não resulta em grosseria”.

Greg Rucka, na apresentação.

Vertigo #5, estreia de Casa dos Mistérios no Brasil.

O que?

Casa dos Mistérios, série da Vertigo, escrita por Bill Willingham (Fábulas, Pacto das Sombras) e Matthew Sturges (JSA: All-Stars), desenhada por Luca Rossi (Dampyr) e vários outros artistas convidados. No primeiro arco, acompanhamos Fig, uma arquiteta que vai parar na Casa dos Mistérios e lá, divide moradia com outros quatro habitantes. Estas cinco pessoas estão presas na Casa até segunda ordem. Resta a Fig perambular pela casa, conhecer os freqüentadores do bar e se acostumar a sua nova realidade. Coisa que não vai ser fácil. Em cada edição, um cliente do bar conta a sua história para poder pagar o que consome. Cada história é desenhada por um artista diferente.

Por que eu gosto desse quadrinho?

Na minha opinião esta é a melhor série sendo publicada na revista Vertigo no Brasil. E vou direto ao ponto: são as digressões de Fig que fazem da série tão genial, ou melhor, o texto de Sturges. Fig reflete sobre sua vida e respinga no leitor, enquanto explora a casa e seus freqüentadores. Ela fala sobre saudade, infância, sobre percepção. As divagações de FIg no texto de Sturges às vezes lembram o texto de Gaiman: fantasioso, íntimo e revelador. Imaginativo sem tirar os pés no chão. Copio aqui um pouco deste texto, para vocês encontrarem a semelhança e ao mesmo tempo o que faz dele único:

“A vida é cheia de armadilhas. Caímos involuntariamente em algumas. Outras são armadas por nós mesmos sem que percebamos. O pior é quando caímos nelas bem cientes de onde estamos nos metendo. E, além dessas, existem as armadilhas nas quais sempre estivemos, e que talvez nunca reconheçamos como tais. Há uma prisão, porém, da qual somos todos cativos. Todos nós estamos presos às nossas próprias peles. Eu nunca vou saber ao certo como você vê o mundo, não é? Nunca vou saber o que você pensa, como as cores se parecem aos seus olhos, qual é o gosto da comida na sua boca. É uma prisão sutil, e que reforçamos ao construir paredes em torno de nós”.

A Casa fala...

Por que você deveria ler este quadrinho?

Pelo texto de Sturges, pela arte de Rossi e pela possibilidade de ter uma mini Heavy Metal todos os meses pra você. As histórias convidadas lembram muito o clima e o estilo das histórias da publicação originária da Europa. Ah, sim, e persiste o mistério: Fig conseguirá sair da casa? Por que ela está ali? Qual é a sua ligação misteriosa com a casa? Tudo isso para ser descoberto nas próximas edições.

Namor, as Profundezas

O que é?

Namor, as Profundezas, minissérie escrita por Peter Milligan (X-Statix, Shade) e desenhada por Esad Ribic (Loki). A HQ mostra a busca da Atlântida por um cientista e sua tripulação. Durante sua viagem eles querem provar que Namor, o príncipe submarino é uma fraude assim como o Abominável Homem das Neves.

Por que eu gosto deste quadrinho?

Namor, as Profundezas apresenta um elemento que é difícil de encontrar nos quadrinhos atuais: a construção de clima. Durante toda edição somos envolvidos pelos pensamentos céticos do cientista, disposto a acabar com o mito da Atlântida e seu guardião. Também nos enredamos pelos avisos da tripulação que não duvida dos mitos do mar, uma vez que outra embarcação havia desaparecido nas profundezas do oceano. E além de tudo há o confinamento. As pessoas estão dentro de um veículo debaixo de milhares de litros d’água. Dessa forma a vulnerabilidade é maior e não há para onde fugir. Com o passar dos capítulos, a evidência de que Namor realmente existe vão ficando mais fortes. Milligan conduz bem a narrativa, focando nos conflitos entre a tripulação e o cientista, trazendo o medo à tona. A arte de Ribic apenas aumenta o sentimento de claustrofobia, escondendo os perigos na sombra e revelando apenas que a tripulação está assustada e se desfazendo aos poucos. Não apenas em número, mas o seu lado psicológico também vai degringolando.

Por que você deveria ler este quadrinho?

Para experimentar uma nova maneira de apreciar histórias de super-heróis, em que o herói do título só está presente nas histórias e presságios dos homens que o buscam. A HQ daria uma ótima adaptação da história de Namor para o cinema, sem ficar devendo nada para filmes como 20 Mil Léguas Submarinas ou O Segredo do Abismo. Por outro lado, a busca do cientista atrás de Namor pode ser comparada à de Ahab à Moby Dick. Não por acaso, o livro de Herman Melville é citado em um dos capítulos.

Locke & Key #1, de Joe Chill e Gabriel Rodriguez

O que é?

Locke & Key, série de suspense de Joe Hill (filho de Stephen King) e Gabriel Rodriguez, publicada pela IDW. Após a morte trágica do pai, os três irmãos Locke vão morar em uma antiga casa. Lá eles encontrarão chaves que lhes concederão os poderes mais diversos. A HQ está para virar série pelas mãos de Steven Spielberg. Publicadas em três temporadas: Locke & Key – Welcome to Lovecraft, Locke & Key – Head Games  e Locke & Key – Crown of Shadows, a série ainda não foi encerrada.

Por que eu gosto deste quadrinho?

Quem não gosta de uma boa história de suspense? É como este tipo de história que Locke & Key se apresenta a princípio. Um assassino volta para acabar de matar toda a família. Nas últimas páginas, da primeira edição, entretanto, o pequeno Bode descobre uma chave que, ao passar por uma porta, permite que ele se torne um fantasma. Assim a diversão começa. O garoto passa a procurar todas as outras chaves mágicas escondidas na casa. Claro, não sem antes passar por grandes perigos e libertar um mal ancestral que os assombrará durante as edições vindouras. A imaginação de Hill nos leva a conhecer chaves com poderes standard, como aumentar de tamanho a coisas incríveis como a chave que abre nossa cabeça e dentro dela enxergamos nosso relevo mental. Desse jeito, podemos tirar ou colocar coisas dentro dela. Uma grande maneira de decorar aquela receita, ou a lição de inglês. E a cada chave descoberta, abrem-se não apenas portas, mas novas possibilidades, dependendo sempre de quem tem as possui. Os personagens soa bem desenvolvidos e até mesmo os coadjuvantes tem espaço para se expressar, garantindo uma trama bem construída.

Família em Pedaços

Por  que você deve ler esse quadrinho?

A série tem bons argumentos, bons desenhos, e não é feita apenas de instantes de suspense e horror. Tem um lado psicológico bem desenvolvido, principalmente depois que a poeira assenta. Nas duas últimas edições das minisséries Head Games e Crown of Shadows surgem esses momentos-chave. Para exemplificar como o roteirista consegue extrair instantes singelos em meio ao terror, há uma hora em que a mãe da família descobre um armário que, colocando um objeto quebrado dentro dele, o objeto se restaura. Ela começa a consertar tudo que tem de estragado na casa. Até que ela coloca as cinzas do marido no armário. Mas ele não volta. A mãe começa a brigar com todos os filhos e acaba quebrando as louças da casa e a urna funerária. No fim da história a família está em pedaços, assim como as louças, e não há chave que consertará isso. Saiu nos EUA este mês a primeira parte da minissérie Locke & Key – Keys to the Kingdom, que trará mais chaves e mais desdobramentos à saga. É esperar pra ver quais surpresas e o quanto de suspense Joe Hill guardou para nós.

The Unwritten #1, de Mike Carey e Peter Gross

O que é?

The Unwritten, série mensal da Vertigo, escrita por Mike Carey (X-Men Legacy, Hellblazer) e ilustrada por Pete Gross (Chosen, Lucifer). Nela acompanhamos a história de Tommy Taylor, um rapaz que compartilha o nome com a maior criação de seu pai: uma mago juvenil à la Harry Potter. Mas coisas estranhas começam a acontecer e Tommy começa a pensar que ele e o personagem são a mesma pessoa. Há uma conspiração envolvendo o mundo das histórias e Tommy precisa descobrir o que está acontecendo antes que seja morto.

Por que eu gosto deste quadrinho?

A principal discussão de The Unwritten são as fronteiras entre ficção e realidade. Isso leva a vários questionamentos interessantes, principalmente as conseqüências de misturar uma coisa com a outra, fato muito comum entre as crianças. Estes limites são bem explorados por Carey, que mostra a cada edição as reações dos fãs para as ações de Tommy Taylor em sua busca por sua identidade. São conversas de chat, twitts, notícias on-line, fóruns de discussão mostrando como o consumidor de ficção se envolve com as obras a ponto de assumi-las e assimila-las como parte de sua vida. Há ainda a parte que a arte imita a vida e o escritor transforma Tommy Taylor na contraparte de Harry Potter daquele mundo, mostrando todo o frisson por novos lançamentos que costuma ocorrer também no nosso mundo. É o poder das histórias, premissa principal da série, que faz mover o mundo e a cada edição de The Unwritten descobrimos como isso acontece por debaixo dos panos.

Tommy Taylor na convenção do seu personagem

Por que você deveria ler este quadrinho?

Além de beber na fonte de Harry Potter, a série também possui aspectos semelhantes de outros títulos da Vertigo. The Unwritten parece, para mim, um substituto natural para  Y- O Último Homem. Enquanto que em Y tínhamos o questionamento de o que aconteceu com os homens fazendo com que acompanhássemos a série até descobrir a resposta, em The Unwritten, queremos saber se Tommy Taylor é realmente o personagem criado por seu pai. Temos como protagonista um garoto jovem, inseguro de seu papel no mundo, mas tido como o grande salvador.  O background da série, o reino das histórias — e aqui se enquadram quaisquer ficções — guarda semelhanças com Fábulas, onde os personagens de contas de fada tem vidas reais. Na série de Carey, Frankenstein dá as caras. Em Fábulas o monstro também aparece. Crossover em vista? Se você gosta de literatura, quadrinhos e as fronteiras entre realidade e ficção, de Fábulas e Y- O Último Homem,  e uma enxurrada de referências é bem provável que vá simpatizar com a busca de Tommy Taylor.

DEMO vol. 2, de Brian Wood e Becky Cloonan

O que é?

Segundo volume da série de Brian Wood (Northlanders, Local) e Becky Cloonan (American Virgin), retratando o dia-a-dia de pessoas que num primeiro olhar podem parecer comuns, mas todas elas possuem um poder especial. O primeiro volume saiu pela AiT/PlanetLar e o segundo volume, pela Vertigo.

Por que eu gosto deste quadrinho?

Dizem que a forma mais difícil de escrever são as histórias curtas. Se você domina esta forma de escrita, saberá lidar com todas. Brian Wood, apesar de tratar a série como um laboratório de idéias, é um mestre neste tipo de história. Em cada edição, ele apresenta os personagens como se fossem qualquer um de nós, com problemas e alegrias comuns, até que em certa parte da história você se dá conta que não esteve testemunhando não uma vida qualquer, mas a de alguém que, por acaso ou não, ganhou superpoderes. É uma espécie de realismo fantástico-maravilhoso, que lembra García Marquez ou Guimarães Rosa mas com roupagem e cenários indies. Isso, em muito, é mérito de Becky Cloonan que neste segundo volume conseguiu superar seu próprio trabalho no volume 1. Com destaque para a primeira edição, na qual ela desenha uma catedral e sua decoração nos mais ricos detalhes. Há também o visual dos personagens relacionado ao que cada um pode fazer de especial. Eu ainda levantaria como mérito desta coleção o fato dos personagem se questionarem. Seus questionamentos não estão limitados a origem dos poderes ou o que fazer com eles, mas por se perguntarem qual o sentido de suas vidas e o que gostariam para si mesmos no futuro, como um bom quadrinho indie pode fazer não apenas com seus personagens, mas com os próprios leitores.

Roer as unhas ou comer carne humana?

Por que você deveria ler este quadrinho?

DEMO é um bom exemplo de quadrinho indie. Seus autores estão entre os mais cultuados nesse tipo de história. Se você quer dar uma chance para ler quadrinhos diferentes, mas que ainda guardem uma familiaridade com aqueles de super-heróis, DEMO é um bom começo. Assim você ficará conhecendo o rapaz que corta e congela carne humana para consumo posterior, a garota que escreve um post-it pra cada ação que deve tomar, o menino que respira debaixo d’água e a garota que volta no tempo para insuflar coragem no seu eu do passado. Pedaços de vidas com as quais você se envolverá e quando acabar cada edição vai ficar para conhecer mais um novo pedaço.

X-Factor: espere o inesperado

Estamos tão acostumados a ler spoilers aqui e ali, em sites de noticias sobre quadrinhos, em fóruns e blogs que nos esquecemos como era a vida antes de eles existirem. Sabemos que Bucky vai se tornar o Capitão América e que o Batman vai morrer na Crise Final, ou melhor, seu destino final não é esse. Claro, é legal saber das coisas antes de elas acontecerem, assim a gente pode se preparar pra saber o que vale à pena ler ou não. Mas tem o lado ruim, perdemos aquela sensação de surpresa, do tudo-pode-acontecer que as histórias em quadrinhos tinham antes do aparecimento da Internet.

Há pouco tempo atrás Peter David, roteirista de X-Factor se manifestou sobre o assunto. Ele não queria revelar o que aconteceria nas próximas edições da revista da equipe mutante. “Eu não quero adiantar nada. Nem um detalhe. O que eu quero é que as pessoas tenham a sensação de que qualquer coisa pode acontecer em X-Factor, de que essa é uma revista imprevisível e emocionante. Às vezes parece que o propósito da internet é estragar a surpresa para possíveis futuros leitores e isso é prejudicial para a indústria dos quadrinhos“. Nas solicitações da Marvel nada é falado sobre as próximas edições, repercutindo a política de silêncio de David.

Nas histórias do X-Factor o roteirista provou que era capaz de surpreender. Um bom exemplo é a primeira história do grupo, que trata da imprevisibilidade da vida. Rictor está prestes a se suicidar, mas Madrox manda uma de suas cópias para salvá-lo. Depois de uma conversa no alto do prédio, a cópia revela ser a parte imprevisível da personalidade de Jamie Madrox e empurra Rictor do alto do edifício. Em uma história bem construída não é apenas o fato em si que impressiona, é todo o clima gerado pelo autor que desemboca na situação descrita. E David sabe construir bem suas histórias. Dessa forma, o spoiler por spoiler não rouba tanto o prazer da leitura.

Outro exemplo de história bem contada pelo PAD é “Sem Domínio”, publicada em X-Factor#16 (no Brasil, Wolverine #42) em que Madrox vai em busca de uma cópia sua que se tornou religioso com mulher e filho. É uma história emocionante e novamente bem construída, com as reflexões do personagem levando ao final da história. Mas esse é o tipo de história que passa batido em fóruns e não sofre os malefícios do spoiler.

A primeira das três edições de X-Factor cujo objetivo era surpreender os leitores.

O pedido de Peter David vem mais especificado na edição 39 de X-Factor (no Brasil, Wolverine #62, do mês passado) em que Syrin dá luz ao filho que teve com Madrox. A história é simplesmente genial e usa elementos já utilizados anteriormente na série. Talvez seja a melhor idéia para um bebê que eu já li em uma série de super-heróis. Mas eu não vou contar spoilers. O PAD pediu, eu acato. Se quiser saber o que acontece leia por si mesmo. O autor promete as mesmas emoções para as duas próximas edições.

Enquanto isso, no Brasil, uma revista que tem sido bastante agradável de ler é a Turma da Mônica Jovem. Cada edição tem sido bastante recompensadora. Fiquei pensando que talvez seja a nova roupagem de personagens da minha infância, ou o humor nas entrelinhas. Mas aí me dei conta que era mesmo a surpresa, a imprevisibilidade, que há muito tempo eu não tinha ao ler quadrinhos de super-heróis ou coisa assim.

É a mesma coisa que acontece no final do filme Pequena Miss Sunshine. (Se não viram, DEVEM assitir). O final é catártico, e você chora de rir porque é uma coisa que você realmente não espera. “Eu quero que as pessoas sintam que elas têm que estar lá quando as coisas acontecerem, quero que exista uma ligação emocional entre os leitores e essas histórias“, disse David. E assim são as coisas mais gratificantes, aquelas que não geram ansiedade, que surpreendem e vêm na hora exata.

Asilo Arkham: Inferno na Terra

O que é?

Asilo Arkham: Inferno na Terra, no original, Arkham Asylum: Living Hell (2003) foi uma minissérie publicada pela DC Comics. Escrita por Dan Slott e desenhada por Ryan Sook. As capas eram desenhadas por Eric Powell, criador do The Goon. A história mostra como Warren White, um magnata das finanças que sempre se safa de seus trambiques acaba parando no Asilo Arkham, lar dos criminosos de Gotham, após alegar insanidade temporária. Lá ele aprende que essa alegação lhe custará a própria sanidade.

Por que eu gosto desse quadrinho?

Asilo Arkham: Inferno na Terra, à primeira vista pode parecer uma pretensa continuação para a graphic novel de 1988 de Grant Morrison e Dave McKean, mas não é. Pelos desenhos, uma outra daquelas histórias noir, mas não é. A autoria de Dan Slott, responsável por títulos como Mulher-Hulk e O Coisa, não aparenta que a série terá a carga dramática necessária para o universo de Batman, mas mais uma vez o pensamento óbvio está errado. A série possui um tom psicológico profundo e analisa as características doentias de alguns dos vilões de Batman, os motivos de suas patologias e o porquê de estarem no Arkham. Nesse caso a história se assemelha muito com a série Oz, que retratava o dia-a-dia de funcionários e detento de uma prisão estadual. Inferno na Terra lida não apenas com os vilões, mas com os dramas vividos pelos guardas, psicólogos e diretor do manicômio. Cada parte da história é mais ou menos focada em um drama e todos são levados ao grand finale. Desfilam entre os perigosos moradores do Arkham, Coringa, Hera Venenosa, Duas-Caras, Magpie, Crocodilo e o Chapeleiro Louco. Slott não deixa de lado o humor, e aí está mais uma razão para eu gostar da série. Ele se utiliza de um humor negro só seu, mais de acordo com um humor involuntário do que com o mesmo tipo de risadas provocadas por fatos mórbidos como em histórias de Warren Ellis ou Garth Ennis. Ah sim, por falar no Garth Ennis, Etrigan também tem a sua participação na trama.

Michael Jackson: Novo vilão do Batman?

Por que você deveria ler este quadrinho?

Explorar a galeria de vilões sempre foi um ponto alto das histórias do homem-morcego, particularidade que Bob Kane pegou emprestada de Chester Gould e os deformados vilões de Dick Tracy. A diferença é que os do Arkham trazem estampadas suas deformações psíquicas e as exibem também na maneira que compõem seus crimes. Em sua obra, Slott não explora apenas velhos vilões, mas cria seus próprios: Humpty Dumpty, trazido do universo de Alice, seria um vilão da Batgirl que tem obsessão por consertar as coisas que acha defeituosas, e, por causa disso, acaba provocando acidentes que o levam ao Arkham. A história da origem de Humpty é contada no melhor estilo Oz, só que da forma carismática de Slott: em versos rimados, como a história de sua versão original é mostrada na obra de Lewis Carrol. O ápice de sua história é engraçado, mas perturbador, levando a crer que Humpty é uma espécie de Norman Bates de Gotham. Outro motivo para ler o quadrinho é porque a minissérie mostra o que acontece no universo de Batman quando o Morcego não está por perto. Inferno na Terra é uma espécie de Gotham City Contra o Crime versão vilões. Imagine o que acontece em Gotham quando a porta da geladeira está fechada. E não estou falando do Sr. Frio.

O que dizem sobre este quadrinho?

“Esta é a grande história fechada do universo de Batman, possivelmente a melhor que eu já li. Se você é fã de Batman ou de Slot e ainda não leu esta história, talvez você mereça ser trancado no Arkham!” – Rob, do Pannel Patter.

Onde você encontra essa história:

Asilo Arkham: Inferno na Terra (maio de 2006, Mythos Editora)

Do outro lado da trincheira, podemos ver como a compra de uma editora de quadrinhos por um conglomerado pode ajudar a popularizar seus personagens. Em 1968, a Warner uniu-se à DC Comics – casa de Superman, Batman e Mulher-Maravilha – e a fusão das duas companhias tornou mais fácil levar Superman para as telonas em 1975. Mais tarde, em 1989, Batman estreou nos cinemas. O sucesso do homem-morcego alavancou a produção de desenhos e seriados dos heróis DC pela Warner. Alguns exemplos recentes são o desenho-animado da Liga da Justiça e o seriado Smallville. Ambos têm um público fiel e uma grande audiência, fato amplamente respaldado pelos estúdios Warner.

Bem como o grupo Time/Warner, a Disney também é um conglomerado com outras empresas sob seu guarda-chuva, entre elas os estúdios de animação Pixar, o canal ABC (de Lost e Desperate Housewives), as produtoras de cinema Touchstone e Miramax e os canais a cabo Jetix e History Channel. O que isso significa para a Marvel? A possibilidade serem produzidas animações de seus personagens pela Pixar, ou mesmo de algumas revistas adultas – caso de Alias e Poder Supremo – serem transformadas em séries e transmitidas pela ABC. Seria o paraíso para os fãs se o History Channel produzisse especiais sobre os bastidores da criação de seus heróis favoritos.

O principal interesse da Disney, contudo, está no cinema, a mina de ouro da Marvel, cujas franquias hoje se dividem entre Fox (X-Men, Quarteto Fantástico e Demolidor), Sony (Homem-Aranha) e Universal (Hulk e Homem-de-Ferro). Vale lembrar que há pouco tempo a Marvel fechou um acordo com a Universal para a distribuição de seus novos filmes produzidos pelos Marvel Studios. É possível que, com a aquisição pela Disney, a Universal pressione os Marvel Studios a acelerar a produção dos próximos filmes como Thor, Capitão América e Vingadores. A Disney prometeu honrar todos os contratos até que expirem e, então, poderíamos ver X-Men e Homem-Aranha juntos na mesma película.

E quanto aos quadrinhos? A princípio, a Disney prometeu pouca interferência criativa na Marvel Publishing. Por outro lado, podemos imaginar gibis de Piratas do Caribe, Kill Bill, Os Incríveis e até Lost. Para os personagens originais da Disney seria uma boa saída contar com o expertise em publicação da Marvel, já que, nos Estados Unidos, as revistas de Pato Donald e Mickey Mouse amargam baixas vendas, passando de editora em editora sem melhorias.

Esta compra representa possibilidades promissoras de interação entre as empresas envolvidas, não apenas para os negócios, mas para os fãs. Agora que a DC/Warner terá uma oponente com poder de fogo equiparado ao seu, veremos se ela não anunciará novos filmes de super-heróis ou acelerará o processo daqueles em pré-produção, caso de Shazam!, Lanterna Verde e Arqueiro Verde.

Umbigo Sem Fundo, de Dash Shaw

Um dos aspectos principais na produção de histórias independentes dos últimos anos é ter como temas principais o deslocamento e a disfuncionalidade. Cada uma trata de temas diferentes e desenvolve estes aspectos de forma a se adaptar com eles. Em Umbigo Sem Fundo, lançada mês passado pela Companhia das Letras, o tema central é a família e as relações que se dão entre seus vários integrantes. Tudo começa quando, depois de quarenta anos de casados, os pais da família Loony (maluco, em inglês) resolvem se divorciar. Para passar uma última semana juntos, os membros da família, filhos, netos e cunhados voltam a morar na casa na beira da praia onde cresceram. Os filhos, retratados bastante diferentes um dos outros, ecoam suas visões diversas sobra a família e divórcio. Dennis, o mais velho, se mostra nervoso e preocupado com o fim do casamento, ele é pai de família e acredita que as família são o pilar para uma vida de sucesso. Claire, a filha do meio, que já se divorciou, é atormentada pelo passado e pela preocupação com sua filha, Jill. Por fim, Peter, o caçula, está alheio a tudo isso agindo como se vivesse num mundo só seu, já que toda a família por vezes esquece que ele existe.

Dash Shaw

Na história, Peter é retratado como um sapo, – a não ser por um único quadro – pois é como ele acredita que a família e o mundo o vêem. Aqui a zoomorfização funciona como modo de trabalhar o deslocamento e a disfuncionalidade de uma forma gráfica e explícita, sem remeter a artistas que usaram este recurso anteriormente como Spielgman e David B.. Há ainda uma possibilidade de que Peter seja reflexo do autor, Dash Shaw, descrito como quieto e recluso em reportagens. Nesse caso, Peter lembra alguns personagens de Woody Allen principalmente quando retrata a si mesmo em seus trabalhos. Mas não é somente a semelhança com protagonistas que guardam analogia com o trabalho de Allen. O humor também segue um caminho parecido quando os personagens fazem piadas sobre si mesmos e seus entes queridos. Há uma cena bastante emblemática deste caso quando Claire imita os membros da família para sua filha, dizendo, ao final, que imitar Denis, descrito pelo autor como “um Homer Simpson com cabelos”, era crueldade, pois ele já era uma paródia de si mesmo.

O clima inicial da história lembra bastante Como uma Luva de Veludo Moldada em Ferro, de Daniel Clowes pela sensação de estranheza e não-pertencimento que o leitor sente. Somos apresentados à família Loony através de gráficos, esquemas de layout e por cenas características dos quadrinhos undergrounds. Acabada a primeira parte da graphic novel – que tem mais de setecentas páginas –, entretanto, os personagens já cativaram e envolveram de uma forma que fica difícil largar o tijolão e fazer uma pausa para ler o que vem na sequencia, como o autor sugere na abertura.

Talvez o principal recurso narrativo que Dash Shaw usa em Umbigo Sem Fundo sejam os reflexos. Há desde reflexos que temos sobre nós mesmos (como a retratação de Peter como um sapo), do que os outros têm sobre nós (após ser comparada com um homem, toda vez que Jill é refletida, ela se vê como um) ou até mesmo os dos outros em nós mesmos (os filhos tornando-se pais e os pais tornando-se filhos), o que produz um efeito também reflexivo no leitor que passa a se colocar no lugar dos personagens. Afinal, se o leitor não foi pai, com certeza já foi filho.

Contemplação

Umbigo sem Fundo é uma história contemplativa, contada vagarosamente para que o leitor capte as nuances nos diálogos e nas cenas. Infelizmente, uma leitura apenas não dá conta de todos. Longas seqüências de imagens são usadas para mostrar experiências sensoriais como as páginas inteiras que mostram os diferentes tipos de areia e água. O mais impressionante é que estas imagens não guardam apenas uma grande carga sensória, mas também a sensibilidade de momentos-chave da narrativa e na emoção dos personagens. Há efeitos de leitura que remetem a filmes como Encontros e Desencontros que levam o leitor a ponderar a importância de momentos banais para os personagens. Por outro lado, esse efeito também é usado para realçar a importância de uma cena, como quando Peter vê Kat despindo lentamente a roupa, evento que leva quatro páginas para ser mostrado. A naturalidade e a casualidade são pontos altos da condução da narrativa  — atenção para as cenas explícitas de sexo, ou para quando os personagens recorrem ao banho para renovar suas energias — e lembra filmes da nova safra de filmes independentes como Pequena Miss Sunshine, A Família Savage e Juno.

Palavras utilizadas para substituir imagens

Os desenhos da graphic novel não são muito desenvolvidos ou detalhados como em outros quadrinhos de autor. Lembram a simplicidade de Persépolis, mas têm a estranheza de traço dos quadrinhos underground. Porém, o recurso gráfico que mais chama atenção são as palavras. O autor lança mão de descrições e onomatopéias. Usa palavras para representar aquilo que não pode ser desenhado como barulhos e ações, ou por vezes para mostrar o efeito de uma ação ou diálogo sobre um personagem, como quando Peter ou seu pai encolhem os ombros. Se de início a utilização destes recursos pode parecer cansativa e repetitiva, por outro lado pode ser algo poético. Umbigo sem fundo é uma HQ sem cores. Para demonstrar um pôr-do-sol, Shaw desenha um horizonte e escreve sobre ele algumas cores em um quadro, outras cores em outro. Provavelmente o aspecto mais literário desta obra esteja, ironicamente, nas palavras que valem mais que mil imagens.